Sintetizadores e Heróis

Nos cerca de 2 anos de existência do Volume/Tone, o nosso post mais popular e procurado é de longe (e para nossa grande perplexidade) o “Guitarras e Heróis”. Para comemorar essa perplexidade, decidimos fazer algo na mesma linha sobre o instrumento que o guitarrista vulgaris mais desconfia: o sintetizador. Na maioria dos casos, os músicos não sabem muito sobre sintetizadores; mesmo que os usem esporadicamente, muitos desconhecem a história, os modelos, e exactamente quais foram as ideias por detrás da criação deles. Contrariamente ao que se crê, não é preciso uma licenciatura em Engenharia para poder operar um sintetizador… Ou compreender a sua evolução. Vamos falar sobre 9 modelos e instrumentos da família do sintetizador que foram importantes para a história do instrumento, mencionando para cada um exemplos de canções onde tiveram uso destacado.

Theremin

Ano de introdução: 1928

Fabricante: Leon Theremin

O Theremin foi o primeiro verdadeiro instrumento electrónico. É um dispositivo rudimentar, que usa apenas duas antenas para o músico controlar o volume e a frequência (a nota). O instrumentista toca o Theremin sem lhe fisicamente tocar na realidade, apenas movendo as mãos pelo ar perto de cada antena. Não é um instrumento sofisticado ou versátil, mas tem um som bonito e característico quando bem tocado. Foi frequentemente usado nas primeiros filmes de Hollywood sonorizados, normalmente para criar ambiências assustadoras.

Momento Musical: The Beach Boys – Good Vibrations [refrão]

Mellotron M400

Ano de introdução: década de 60

Fabricante: Mellotronics Inc

O Mellotron, ao contrário do Theremin, tem um teclado e por isso é muito mais imediato e intuitivo. Na realidade, cada tecla faz tocar uma fita com um som previamente gravado, o que faz do Mellotron um dos avôs do sampler moderno, sendo apenas um (importante) tio-avô afastado do sintetizador. O seu timbre doce e natural tornou-se muito desejável e distinto, quer pelos seus sons de coros, de cordas ou de flautas. Encontrou um nicho particularmente adepto entre os músicos de inclinação psicadélica, chill out e pop.

Momento Musical:

The Beatles – Strawberry Fields Forever [flautas; introdução da música];

Kraftwerk – Trans Europe Express [cordas; introdução da música]

Moog Modular Systems

Ano de introdução: 1964

Fabricante: Robert Moog, Moog Music Inc

Robert Moog desenvolveu os primeiros animais complicados a poderem verdadeiramente chamar-se sintetizadores. A ideia do sintetizador era de ser o instrumento musical perfeito – tão versátil, aberto e configurável que poderia sintetizar qualquer som na natureza ou na nossa imaginação (daí o nome). Obviamente que na prática não conseguia imitar nada de uma maneira muito convincente. Um sistema modular em ‘64 parecia uma central telefónica de cabos, ligando uns módulos a outros – cada utilizador decidia os módulos que queria e como os queria ligados. Muito complexos, muito grandes, muito caros e muito pouco práticos, os sistemas modulares de Moog tiveram usos praticamente apenas na música experimental e conceptual de um punhado de visionários da altura.

Momento Musical: Wendy Carlos – Switched-On Bach [totalidade do disco]

Minimoog

Ano de introdução: 1971

Fabricante: Robert Moog, Moog Music Inc

O Minimoog é provavelmente o sintetizador mais desejado, clonado e imitado na história da música. Foi o primeiro sintetizador portátil, barato e simples vendido em massa – a primeira vaga de música electrónica foi feita ao som de Minimoogs. Para além de ser imediato, acessível e barato, tem um som extremamente musical e delicado. Deixou de ser fabricado em 1980, altura a partir da qual passou a valer fortunas loucas no mercado de 2ª mão.

Momento Musical: Pink Floyd – Shine On You Crazy Diamond (Part 6) [solo ao ínicio]

Korg MS-20

Ano de introdução: 1978

Fabricante: Korg

O MS-20 é a versão da Korg de um Minimoog, misturado com um sistema modular – é um sintetizador pequeno, barato e imediato, mas permite ligar as suas partes diferentes com pequenos cabos da maneira que quisermos. Tem um som bruto e agressivo, e o facto de permitir alguma flexibilidade de ligações tornou-o o sintetizador de eleição para uma geração de pseudo experimentalistas e projectos de electrónica mais violenta (como Prodigy, The Faint ou Nine Inch Nails).

Momento Musical: Mr Oizo – Flat Beat [maioria dos sons da música, incluindo voz de Eric]

Roland Juno 60

Ano de introdução: 1982

Fabricante: Roland

O Juno 60 foi um dos primeiros sintetizadores polifónicos comercialmente disponíveis, permitindo que agora se pudessem fazer acordes (tocar mais de uma nota em simultâneo) com sintetizadores (polifonia de 6 notas simultâneas, no caso do Juno 60). Tem um som geralmente sedoso, fluido e macio, e tornou-se rapidamente popular durante os anos 80 para criar ambiências etéreas e agudas (que tanto notabilizaram artistas como Human League, Eurythmics ou The Cure, e mais recentemente Junior Boys, Air e Phoenix).

Momento Musical: The Cure – Just Like Heaven [refrão]

Roland TB-303

Ano de introdução: 1982

Fabricante: Roland

O TB-303 foi inicialmente um produto com uma premissa muito aborrecida: foi feito para acompanhar guitarristas que estivessem a praticar sozinhos e precisassem duma linha de baixo (TB significa Transistorized Bass). Tinha um som muito abrasivo, cortante e definido, devido a características invulgares das suas configurações. Não teve de todo uma recepção entusiasmada do mercado de guitarristas (foi retirado do mercado após apenas 18 meses), mas os músicos que criaram o que mais tarde viria a ser chamado de House Music adoptaram-no como um instrumento essencial pelo seu som único (o termo Acid de Acid House advém de uma descrição do som do TB-303 em acção). Hoje em dia, o aparentemente tosco e diminuto TB-303 é visto como uma espécie de Santo Graal do produtor de House, e não só.

Momento Musical: LCD Soundsystem – Get Innocuous [linha de baixo; destaque entre 05:50 e 06:15]

Yamaha DX-7

Ano de introdução: 1983

Fabricante: Yamaha

A história do DX-7 foi totalmente a oposta do TB-303. Quando saiu, a Yamaha anunciou a sua nova forma de síntese de som FM (Frequency Modulation) como o som do futuro dos sintetizadores. De facto, na altura produzia sons absolutamente fenomenais em comparação com os outros sintetizadores que usavam sintese subtractiva tradicional: graves muito sólidos, agudos capazes de partir vidros e uma capacidade muito boa para imitar pianos eléctricos. Na altura todos os teclistas compraram um DX-7, tornando-o um dos sintetizadores mais vendidos de sempre. Contudo, rapidamente se percebeu que a síntese FM era muito pouco intuitiva e um pesadelo para programar. Durante os anos 80 ouviram-se todos os seus sons de fábrica pré-programados nos tops (daí que seja injustamente visto como o teclado responsável pelo som azeiteiro dessa década), e depois caiu em desgraça por não se conseguir tirar mais dele. Hoje em dia o DX-7 é um punchline de anedotas entre teclistas, e encontra-se no mercado de 2ª mão por tuta e meia.

Momento Musical: Sade – Smooth Operator [uso do som de fábrica de piano eléctrico]

Access Virus

Ano de introdução: 1997

Fabricante: Access

O Virus foi um dos primeiros sintetizadores puramente digitais a conseguir imitar convincentemente os sons dos sintetizadores analógicos tradicionais. Os sintetizadores digitais (ou virtualmente analógicos, como os departamentos de marketing lhes preferem chamar) encontraram no Virus uma capacidade razoável para imitar Minimoogs, TB-303’s e outros. Justamente por não ser analógico mas sim uma imitação computarizada de tal, é mais barato, mais robusto e mais fiável do que os sintetizadores que tenta emular. A Access foi melhorando o Virus ao longo dos anos até ao presente, sendo que a versão actual é muito sofisticada, versátil e dispendiosa. Em vários aspectos, oferece opções de configuração altas e impossíveis para os sintetizadores analógicos velhinhos que imita. Quase todos os músicos profissionais na electrónica de hoje em dia usam ou já usaram um Virus, nem que seja só ao vivo. Contudo, o purista nunca aceitou (e provavelmente nunca aceitará) que algum dispositivo digital jamais consiga imitar o timbre orgânico, rico e colorido de um sintetizador verdadeiramente analógico. Esta é, aliás, talvez a maior de divisão de opiniões entre os entusiastas de sintetizadores: os pró-analógico e os pró-digital.

Momento Musical: Nine Inch Nails – Only [riff principal]

A história dos sintetizadores dava livros de informação, e é impossível falar aqui de todos os sintetizadores fenomenais que chegaram às mãos dos músicos. Entre outros, vale a pena mencionar o ARP 2600, os sistemas Oberheim e Buchla, o PPG Wave, o Yamaha CS-80 (usado por Vangelis em todo o seu esplendor na banda sonora do filme Blade Runner), o Roland SH-101, o velhinho Ondes Martenot (tão preferido por Jonny Greenwood), o Sequential Circuits Pro-5 e o Roland TR-808 (gerador dos sons de percussão mais queridos na música electrónica).

Objectivamente, os sintetizadores tiveram uma história e desenvolvimento muito ricos e interessantes. Nesse aspecto, os teclistas foram muito mais corajosos e desejosos de novidades do que guitarristas ou baixistas, que continuam a usar tecnologias de 1940. A NME, em 1978, famosamente publicou um artigo em que o autor se escandalizava por saber que havia uma banda alemã chamada Kraftwerk que usava máquinas para gravar toda a sua música. Poucos anos depois, Depeche Mode, OMD e Gary Numan subiriam ao palco do Top Of The Pops sem medo de dizer que achavam o sintetizador mais divertido, mais fácil e mais excitante do que guitarras e baixos.

O sintetizador cativou, desde as suas origens, as imaginações de incontáveis músicos que quiseram não só criar melodias do nada, mas também criar sons e timbres do nada, que sejam seus e únicos. O reputado músico alemão Oskar Sala uma vez ilustrou bem as potencialidades do sintetizador: “sou apenas um pianista; infelizmente não sou um teclista”.

Which Will.

A Autenticidade Na Música Moderna, Pt. 2

Nas primeiras décadas da música pop/rock, 50 e 60, a noção de valor artístico estava maioritariamente associada a sucesso comercial. Nos anos 60, os The Beatles eram melhores do que os The Searchers e o facto de que os fab four vendiam muito discos servia de prova disso. Contudo, esta maneira dos ouvintes abordarem a música começou a desaparecer com o surgir do punk em 1976/77 e terminou definitivamente com o pós-punk/new wave que lhe seguiu. Com o punk, criou-se pela primeira vez na música um sentimento de “anti-sistema” – que com o pós-punk/new wave conheceu (dependendo da banda), uma face mais politizada, mais filosófica, mais visual ou mais artisticamente desafiante. Em muitos aspectos criou-se a ideia de que romper com a tradição é louvável, mas que um bom músico deve ser sempre um estóico guerrilheiro a perseguir a sua visão musical. E como qualquer guerrilheiro, o bom músico tem inimigos poderosos: os fakes, os posers, os miúdos da cena, os que veêm a música como um veículo para fama, aceitação ou fortuna.

O sentimento que o punk gerou nos anos 70 teve um enorme efeito bola de neve. Se os anos 90 já foram fartos em perseguições McCarthyescas sobre autenticidade musical (quem não se lembra das grandes guerras entre Blur e Oasis, Nirvana e Pearl Jam), então os anos 00 foram o culminar da paranóia. Hoje em dia, uma banda de música alternativa pode perder 1/3 da sua base de fãs se assinar por uma editora grande, se lançar um álbum com uma produção mais cuidada, se um dos seus membros começar a namorar uma actriz famosa. Bono, um dos vocalistas mais diplomáticos, icónicos e filantropos em actividade, é quase unanimemente vexado e ridicularizado por bandas pequenas. Tudo isto porque é uma traição imperdoável o estóico guerrilheiro ser (ou no caso de Bono, transformar-se) num burguês conformado.

O altar da autenticidade musical é uma falácia. Instalou-se um clima de hostilidade e competitividade em que se uma banda, pelo seu valor, começar a vender muitos discos e obter merecida notoriedade, os fãs que a elevaram vão aliená-la por isso. Na realidade, os músicos são apenas peões na guerra pela autenticidade. Os verdadeiros combatentes são alguns dos ouvintes, que procuram sempre a banda mais subversiva, mais desconhecida ou mais paupérrima para se usarem dela – para fazerem a sua autenticidade da autenticidade dela. E depois a descartarem.

Which Will.

A Autenticidade Na Música Moderna

É quase escusado afirmar que a música seria hoje um lugar diferente se vivesse fora dos limites do culto da autenticidade que tem fomentado praticamente desde o aparecimento do conceito de música pop no século passado. Mas até que ponto podemos classificar música autêntica acima ou abaixo de algo mais abstracto ou inorgânico? Partimos do pressuposto que artistas com experiências de vida mais variadas partem em desvantagem em relação a artistas com vivências mais privilegiadas ou enfadonhas, simplesmente porque são presenteados com mais substância que poderão transmitir com autenticidade para a sua música. Não é uma noção recente, mas é uma preocupação crescente, não só de fãs de música, mas também, e talvez sobretudo, da indústria musical. Ela pode ser vista como uma consequência da rentabilização da música pop, onde cada vez mais os artistas mais populares são vistos com desconfiança, e até da necessidade de individualização e afirmação pessoal dos consumidores. Desde o aparecimento do real lucro na música que a autenticidade é cada vez mais prezada e glorificada. Mas a preocupação com o tema sempre pareceu encobrir a indústria discográfica como se de um fantasma se tratasse: fosse na promoção de artistas negros de proeminência country ou blues do virar do século XIX que apelavam a um público branco aristocrata pelos temas que abordavam na sua música, desde mulheres ao álcool, passando pela pobreza e até pelo racismo, fosse na exposição de fabricações artísticas em particular nos anos 90 com o único propósito de lucrar, há uma página que se vira no meio disto tudo.

Enquanto que a obsessão pelo autêntico parece ter deixado o pop algures no século XX, também passou a assumir um estigma significativo em comunidades musicais mais alternativas e impermeáveis. É impossível não associar esta mudança ao aparecimento dos downloads e do filesharing ao virar do século. A quebra de receitas de grandes conglomerados ligados à promoção da música obriga a maior critério daquilo que poderá ser considerado lucrativo do que tem acrescido potencial de risco, o que à partida invalida que mais barreiras sejam impostas a um meio que cada vez mais pede cada vez menos entraves. Por outro lado, é impossível não fugir ao sufocante clima de competitividade pela autenticidade que se vive nos meios mais alternativos. Um dos exemplos mais interessantes deste estigma talvez recaia no aparecimento dos nova-iorquinos Vampire Weekend, primeiro nos círculos alternativos, depois na sua mainstreamização e a acabar na sua reavaliação de méritos de novo como banda alternativa. Aparecendo na cena musical nova-iorquina constituídos por ex-membros dos mais respeitados Dirty Projectors e gabando-se das suas influências africanas, a banda tem a peculiaridade de contar com um passado privilegiado que opta por transpor em letras críticas de comportamentos elitistas e aristocráticos. Com a sua crescente popularidade, este passou a ser um sério problema para a banda nos círculos alternativos, críticas estas que continua a refutar. Mas mais do que pretendem transmitir nas suas letras, a sua imagem consegue mais impacto junto dos críticos, e fomentando essa imagem, a banda transparece incongruência, artificialidade e aproveitamento mediático.

Não é, portanto, de estranhar que o conceito de ’sell out’ se tenha banalizado no discurso dos fãs de música. A primeira vez que ouvi estas palavras de alguém dentro do meio musical foi pela boca de Kurt Cobain, referindo-se aos seus conterrâneos Pearl Jam que acusava de tentarem capitalizar na histeria colectiva pelo grunge ao optarem por uma versão suave, mainstreamizada e assim inautêntica do estilo, e na altura foi suficientemente polémico para forçar pessoas a decidirem com quem estavam de acordo. Desde então, o termo tem sido utilizado com crescente liberalismo: seja por uma banda de créditos reconhecidos no meio alternativo assinar um contrato com uma etiqueta de grande dimensão, seja por optar por sonoridades mais imediatamente reconhecíveis como música popular, seja por colaborar com artistas mainstream ou até por disponibilizar temas para efeitos publicitários. A autenticidade deixou de ser o assunto tabu que era em boa parte do século passado, onde na realidade se uma banda ou um artista vendia, a leitura óbvia era a de que o público, generalizado ou não, lhe reconhecia mérito, e daí o assunto não passava, para passar a ser tema de bandeira de nichos da comunidade musical ou de invocação corriqueira, quer para fãs quer para publicações. Seja porque Justin Vernon, Bon Iver, compôs um disco belíssimo numa cabana no Wisconsin sobre uma antiga relação, seja porque artistas ou bandas como Liz Phair ou Kings Of Leon lançam discos de apelo mainstream renegando aquilo que lhes notabilizou nos círculos arternativos, a noção de autenticidade aparece cada vez mais com uma dupla conotação: ora a de instrumentalização responsabilizadora, acusatória e elitista, ora a de advertência para a despersonalização da música e a santificação da composição de letras.

A consequência primária é o assumir de um papel avaliador e avalizador de intenções, carácter e motivos da parte dos artistas, pela crítica musical. Deixando de se resumir à análise do conteúdo musical, a crítica chama para si, mais do que nunca, a responsabilidade de garantir que a música com que lida não se cinja a um conjunto de sons, mas antes a um conjunto de sons reproduzidos por determinados músicos com intenções específicas, carácter específico e vivências muito particulares. O que só por si não será um resultado inesperado de uma sociedade observadora como a nossa, mas que na verdade até conduz a uma aproximação crescente e constante dos artistas que descobrimos e ouvimos na rádio ou na internet. E aqui reside o aspecto ainda mais pessoal do conceito de autenticidade. Quando a noção de estrela de rock caiu por terra algures nos últimos 20 ou 30 anos e passou a ser apenas conferida a algumas figuras acima de qualquer discussão, passou a recair o ónus no músico para ser autêntico e genuíno também ao nível do cada vez mais frequente contacto com a sua fanbase. No meio disto tudo, esta é mais uma área em que a indústria discográfica acaba por fazer o papel de intermediário e até de empecilho.

Harvest Breed.

Os 20 Álbuns Que Marcam 2009

1. Grizzly Bear – Veckatimest
2. Animal Collective – Merriweather Post Pavillion
3. Dirty Projectors – Bitte Orca
4. St. Vincent – Actor
5. Bill Callahan – Sometimes I Wish We Were An Eagle
6. Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix
7. Bat For Lashes – Two Suns
8. The Horrors – Primary Colours
9. Future Of The Left – Travels With Myself And Another
10. Sunset Rubdown – Dragonslayer
11. Fever Ray – Fever Ray
12. The Strange Boys – … And Girls Club
13. Lindstrom & Prins Thomas – II
14. Super Furry Animals – Dark Days/Light Years
15. Micachu And The Shapes – Jewellery
16. Japandroids – Post-Nothing
17. The Intelligence – Fake Surfers
18. Tim Hecker – An Imaginary Country
19. The Field – Yesterday And Today
20. Sky Larkin – The Golden Spike

Menções Honrosas:

Here We Go Magic – Here We Go Magic

Bowerbirds – Upper Air

Marissa Nadler – Little Hells

Ganglians – Monster Head Room

Clark – Totems Flare

Manic Street Preachers – Journal For Plague Lovers

Foreign Born – Person To Person

Lotus Plaza – The Floodlight Collective

Neon Indian – Psychic Chasms EP

The Antlers – Hospice

Passion Pit – Manners

Harvest Breed.

Álbuns Para Todas As Estações

Inverno

• Doves – Lost Souls
• Women – Women
• Liars – Drum’s Not Dead
• The Twilight Sad – Fourteen Autumns And Fifteen Winters
• Marissa Nadler – Little Hells

Primavera

• Augie March – Strange Bird
• Animal Collective – Merriweather Post Pavillion
• Air – Moon Safari
• The Flaming Lips – Soft Bulletin
• Shugo Tokumaru – Exit

Verão

• Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix
• Reigning Sound – Too Much Guitar
• Wilco – Summerteeth
• The Exploding Hearts – Guitar Romantic
• Cap’n Jazz – Analphabetapolothology

Outono

• Super Furry Animals – Fuzzy Logic
• Built To Spill – Perfect From Now On
• Grizzly Bear – Veckatimest
• Mansun – Six
• Hauschka – Ferndorf

Which Will.

Balanço do Ano

Apesar de muito equilíbrio na qualidade, 2008 apenas produziu uma mão cheia, ou algo lá perto, de discos verdadeiramente grandes e memoráveis, situação essa, que em apenas dois meses de 2009 se parece estar a alterar já com vários lançamentos de qualidade muito apreciável e um ou outro que parecem ter o potencial de se virem a tornar clássicos na década. É certo que, à partida para 2009, dois álbuns parecem elevar-se como grandes protagonistas do ano: o já muito antecipado e já justificando todo o hype que se gerou à sua volta, Merriweather Post Pavillion dos Animal Collective, e Veckatimest, o terceiro registo dos Grizzly Bear, ainda uma incógnita, é certo, mas que promete ser um dos álbuns mais inventivos do ano. Seja como for, já aqui no Volume/Tone revimos alguns dos bons discos de 2009, e talvez seja altura de fazermos o ponto da situação de dois meses promissores em 2009, por ordem alfabética:

Andrew Bird – Noble Beast

Muito antecipado sucessor do espantoso Armchair Apocrypha é mais acústico e íntimo que o seu antecessor, menos consistente, mas com momentos de brilhantismo que só podiam vir pela mão de Bird.

Animal Collective – Merriweather Post Pavillion

Já revisto num post anterior.

Asobi Seksu – Hush

Já revisto num post anterior.

Bat For Lashes – Two Suns

Segundo álbum da precursora moderna de Kate Bush a mostrar que a digressão com os Radiohead revelou uma Natasha Khan sombria e introspectiva, com momentos de pura genialidade a condizer com a dupla personalidade.

Beirut – March Of The Zapotec / Realpeople – Holland EP

Descrito como gravações do estado de Oaxaca, March Of The Zapotec e Holland é um disco de duas faces: a típica beleza tradicionalista de Beirut de Zach Condon e pop electrónico e doce em Holland… de Zach Condon.

Black Dice – Repo

Mais um disco da face mais experimental dos espíritos irmãos de Animal Collective em Brooklyn. Repo acaba por ser consideravelmente mais denso que o seu antecessor, Load Blown, mas não desilude.

Cymbals Eat Guitars – Why There Are Mountains

Expansivo e irrequieto, Why There Are Mountains soa a uma versão orquestral e frenética de um Lonesome Crowded West ou de um Surfer Rosa, sem soar excessivamente derivativo na voz de Joseph D’Agostino.

Dan Deacon – Bromst

Seguindo na linha de Spiderman Of The Rings, o novo de Dan Deacon é consideravelmente mais épico e menos balanceado para a produção de singles do que para a tradicional electrónica frenética característica de Deacon.

Elvis Perkins In Dearland – Elvis Perkins In Dearland

Com um feel decididamente retro, poucos álbuns folk este ano serão tão abertamente divertidos quanto Elvis Perkins In Dearland, sem necessidade de quebrar barreiras e inovar ditames sónicos.

Emeralds – What Happened

Psicadélico e abstracto em várias partes, What Happened dos Emeralds é uma máquina do tempo de volta aos drones e ambientes sombrios de uns Tangerine Dream.

Fanfarlo – Reservoir

Muito esperado e injustamente ditado por alguns como excessivamente derivativo de Arcade Fire, os anglo-suecos Fanfarlo fizeram uma agradável estreia com Reservoir, comandados aos controlos por Peter Katis (The National, Interpol).

Fever Ray – Fever Ray

Já revisto num post anterior.

Franz Ferdinand – Tonight: Franz Ferdinand

O novo de FF não é absurdamente viciante como os seus antecessores, mas não deixa de ser uma agradável promessa de continuidade para uma banda que nos habituou a pérolas pop inimitáveis.

Gui Boratto – Take My Breath Away

O brasileiro mais reconhecido da música electrónica voltou depois do deslumbrante Cromophobia com Take My Breath Away, que segue o mesmo caminho… e ainda bem.

Handsome Furs – Face Control

A outra metade dos Wolf Parade junta-se à sua mulher para mais um disco do projecto a que Boeckner chama de Wolf Parade com caixa de ritmos. Face Control é a prova que rockar não depende disso.

Harlem Shakes – Technicolor Health

Muito adiado, Technicolor Health é o disco de estreia dos Harlem Shakes. Leva ao peito os riffs e os ritmos funk que lhes valeu o reconhecimento há algum tempo atrás, produzido por Chris Zane (Asobi Seksu, Les Savy Fav).

Here We Go Magic – Here We Go Magic

O novo dos Here We Go Magic é a primeira coisa que ouvi em 2009 e não foram poucas as vezes que tenho voltado a este disco. Uma versão actualizada de Graceland de Paul Simon.

It Hugs Back – Inside Your Guitar

Apesar de levarem com a designação de Wilco ingleses, os It Hugs Back têm muito mais a seu favor que apenas o seu nome particularmente inspirado. Inside Your Guitar é subtil, mas recompensante.

Junior Boys – Begone Dull Care

Já revisto num post anterior.

Lotus Plaza – The Floodlight Collective

Os Lotus Plaza são a outra parte dos Atlas Sound em relação a projectos paralelos dos Deerhunter, pela mão de Lockett Pundt, The Floodlight Collective aproxima-se mais da sua banda mãe do que dos Atlas Sound de Bradford Cox.

Malajube – Labyrinthes

Labyrinthes é o surpreendentemente interessante segundo álbum dos canadianos Malajube. Pop noir e retro em francês genuinamente bem produzido e composto.

Marissa Nadler – Little Hells

Sempre com uma inclinação para o dramático e o sombrio, não surpreende que o novo disco da folkie Marissa Nadler se chame Little Hells. Também não supreende que seja assim tão bom.

Papercuts – You Can Have What You Want

Subvalorizados no indie pop, os Papercuts parecem saídos directamente de um portal para os anos 50, quer nas suas pretenções em termos de composição quer em produção. O seu novo disco é elegante.

Sky Larkin – The Golden Spike

Os Sky Larkin não devem ser discriminados por parecerem, quer em imagem quer em música, os Johnny Foreigner. Na realidade, fazem pop interessante e menos saturado que os seus semelhantes. The Golden Spike mostra como se faz.

Studio 1 – Studio 1

Studio 1, do alemão Wolfgang Voigt, é um projecto techno que prima pela consistência. Juntando sonoridades IDM ao tradicional quadro sónico das etiquetas alemãs como a Kompakt, Studio 1 é imperdível para os fãs do género.

Telepathe – Dance Mother

Tem sido muito falada a estreia dos Telepathe como sucessores de uns TV On The Radio, mas apesar de produzidos por David Sitek, estas comparações têm de ser levadas com cuidado. Ainda assim, Dance Mother é um disco simpático.

The Black Lips – 200 Million Thousand

Depois de uma absurda digressão pela Índia os eternamente controversos Black Lips regressam aos álbuns com uma produção ainda mais lo-fi que em Good Bad Not Evil, mas  o dom para pérolas rock como Starting Over ou Short Fuse continua lá.

The Pains Of Being Pure At Heart – The Pains Of Being Pure At Heart

Foram acusados de se colarem excessivamente às suas influências, The Jesus And Mary Chain, My Bloody Valentine, mas se este disco for visto pelo que é, The Pains Of Being Pure At Heart é um disco de pop perfeito, viciante e sem presunções.

These Are Powers – All Aboard Future

O projecto comandado por Pat Noecker, antigo baixista dos Liars no seu primeiro disco, oferece uma visão peculiar do pós-punk intenso e escuro com pitadas de electrónica aqui e ali, com resultados positivos.

Tim Hecker – An Imaginary Country

Depois de Harmony In Ultraviolet, o seu muito elogiado sexto disco, Tim Hecker levou três anos para construir o seu sucessor, An Imaginary Country, uma janela para a sublime criatividade ambiente de Hecker.

Timber Timbre – Timber Timbre

Parece que é um lugar comum este ano, mas há um elemento predominantemente retro no excelente disco homónimo de Taylor Kirk, Timber Timbre, no bluesy folk que apregoa e que enfeitiça o ouvinte.

Vetiver – Tight Knit

Depois de um segundo álbum algo ineficaz e um disco de covers, Tight Knit vê os Vetiver a recuperarem o seu groove. Nunca chega a atingir as alturas do seu registo homónimo de estreia, mas é um regresso agradável.

Wavves – Wavvves

Motivos solarengos para um disco de estreia extremamente lo-fi e ‘in your face’ de Nathan Williams, aka Wavves, já muito elogiado pelos seus irmãos musicais No Age. Wavvves é um álbum de riffs e sons que nunca descansam.

Yeah Yeah Yeahs – It’s Blitz!

It’s Blitz! é o registo de uma banda que achou que alterar a sua sonoridade consistia apenas em adicionar sintetizadores. Não que isso importe, continua a ser tipicamente YYY, inconsistente, mas com momentos de puro génio e clássico carisma de Karen O.

Zomby – Where Were U In ‘92?

Depois de receber elogios de Panda Bear e a aprovação da Pitchfork, este disco de Zomby parecia estar destinado para mais reconhecimento. Seja como for, é uma interessante mistura dançável de sonoridades jungle, house e até techno.

Harvest Breed.

5 Más Ideias de 2008

É fácil e divertido fazermos tops das coisas mais geniais do ano e regozijarmos nos feitos culturais e artísticos de mentes brilhantes (que não as nossas) nos últimos 12 meses. Daqui a muitos anos, pensamos, pessoas olharão com curiosidade para listas dessas para tentar tirar o pulso ao que foi vibrar em primeira mão com grande música, cinema espectacular, livros fantásticos e grandes eventos socio-políticos.

Contudo a estupidez, em toda a sua magnitude e espectacularidade, também merece um monumento no fim do ano. Para todos aqueles momentos em que levámos as mãos à testa e pensámos “eu não quero acreditar que eles fizeram mesmo isto”, aqui vem uma pequena selecção de 5 más ideias de 2008.

- A adaptação televisiva de “Equador” de Miguel Sousa Tavares

Como habitual, a TVI lançou uma mega campanha publicitária para esta série. Pomposamente, anunciam o que dizem ser “uma das maiores produções televisivas de sempre”, adaptando o livro de uma pessoa que é comentador de política/futebol/arte desse mesmo canal semanalmente. Quem tem uma televisão em Portugal já se habituou que quando a TVI diz que vai fazer uma super produção… não é bem isso que as pessoas vêem no ecrã. Tudo bem, há muitas perucas, partes de enredo no estrangeiro, guarda-roupa da época e actores veteranos de novelas azeiteiras (enfim, todos os ingredientes que encontramos nas outras pseudo super produções da TVI, i.e. as últimas 2 ou 3 telenovelas da hora do jantar que eles fizeram). Sem grandes expectativas, vimos um ou outro episódio de “Equador”, e rimos-nos… muito. Vimos um rei de Portugal com o cabelo muito mal pintado de ruivo, vimos actores que não seriam capazes de representar nem na Rua Sésamo, vimos grandes cenas românticas à beira de precipícios ao pôr do sol em que se via claramente que foi tudo muito mal filmado e editado com os actores num estúdio de backdrop azul. Para o espectacular estúpido, a uma certa altura ficamos a saber que um casal inglês que vive na Índia fala em português entre si apenas “para que ninguém mais entenda o que estão a dizer um ao outro”…

Este ano, algures no mundo um estrangeiro decide adaptar um livro de um Nobel português aos ecrãs. Algures em Portugal, alguém decide adaptar um livro dum comentador televisivo aos ecrãs. Um destes dois será um tesourinho deprimente de 2018.

- A candidatura McCain/Palin

Durante as eleições, dos EUA vieram notícias de propaganda e agitadores republicanos que apelaram ao pior da natureza humana para ganhar eleições. Foi insinuado que Obama seria um mau presidente porque tinha “Hussein” no nome, porque as pessoas gostavam demasiado dele, porque falava bem demais, porque estava demasiado interessado reduzir os impostos aos pobres. Foi dito, em directo para todas as televisões norte-americanas, que Obama tinha ligações a terroristas porque uma vez esteve numa comissão escolar com um homem que foi activista anti-guerra do Vietname nos anos 60. Uma delegação republicana instaurou um processo contra Obama porque ele usou um avião de campanha para visitar a sua avó moribunda ao Hawaii. Obama falou em distribuir melhor a riqueza, e chamaram-lhe de comunista. Obama foi ridicularizado por fazer acção social em bairros degradados e se orgulhar disso. Foi também insinuado que quem apoiasse Obama não fazia parte da “Real America” – era um americano de 2ª. Discretamente, apelou-se ao racismo.

Na Europa, já não se fazem campanhas desta maneira desde o fim do fascismo. O século XXI não precisa deste tipo de política muito menos no país que, para todos os efeitos, é o líder militar, cultural e económico do mundo ocidental.

- Hamburger Big Tasty com Bacon do McDonald’s

Nós não temos nada contra hamburgers e fast food. Quando é bem feito, um hamburger pode ser delicioso. E como quaisquer outros jovens que se prezem, o fast food é praticamente a base da nossa dieta. Mas quem já levou um Big Tasty normal à boca sabe que isto é uma das ideias mais horripilantes do ano. Por si só, a maioria da comida servida no McDonald’s já mete algum nojo a muita gente – e o Big Tasty normal (um hamburger enorme com um molho enjoativo e muito, MUITO estranho) já estava confortavelmente a ocupar o lugar de “coisa mais nojenta que se pode pedir para comer”. Quando alguém em 2008 pensou “espera lá – vamos pôr bacon nisto!”, esse alguém de certeza nunca comeu no McDonald’s, nunca experimentou um Big Tasty e nunca provou aquilo que eles muito liberalmente chamam de bacon.

Podíamos dizer aqui que uma combinação Big Tasty Bacon + Batatas Fritas Médias + Coca Cola Média excede todos os limites estabelecidos por médicos de consumo de calorias, sal, açúcar e gorduras por dia (não por refeição, POR DIA). Mas isso já nem interessa muito a ninguém. Apenas e só a ideia de adicionar bacon gorduroso a um Big Tasty é como adicionar uma bombinha de mau cheiro a um montinho de cocó de cão.

- A Candidatura de Pedro Santana Lopes à Câmara de Lisboa

À uns anos atrás, Santana Lopes tornou-se numa coisa estranha e rara: um Primeiro Ministro que nenhum português elegeu. Quando chegou ao fim o seu curto e caótico governo, as únicas pessoas em Portugal que ficaram com saudades foram os humoristas e cartoonistas, a quem Santana tinha feito a vida tão mais fácil. Nas legislativas que precederam, ele perdeu para Sócrates porque já ninguém podia aturar o ego e a monumental incompetência de Santana Lopes (estamos a falar de um homem que não conseguiu nem gerir a Câmara de Lisboa nem um clube de futebol). Depois candidata-se à liderança do PSD e perde para Ferreira Leite, novamente porque já ninguém podia aturar Santana Lopes.

Este ano, descobrimos que ainda não está convencido que ninguém o pode aturar, e candidata se novamente à Câmara de Lisboa. Todos os lisboetas lembram-se muito bem da “obra” de Santana Lopes quando passou pela Câmara da última vez: um agravamento da já enorme dívida da cidade, a construção do dispendioso Túnel do Marquês (que qualquer lisboeta concorda que é tão útil como ter um pénis na testa), o caríssimo projecto pedido a Frank Gehry para o Parque Mayer que depois nunca foi construído, e o Casino de Lisboa que nunca ninguém quis, cuja localização é horrível. E nós lisboetas também nos recordamos a rapidez com que Santana Lopes abandonou a cidade de Lisboa assim que lhe foi oferecido um cargo político mais sonante.

Santana Lopes vai inevitavelmente perder, porque ele e um punhado de fieis seguidores são as únicas pessoas que ainda não perceberam que a grande maioria dos lisboetas (e dos portugueses pelo país fora) já não o querem ver mais à frente. A ideia de termos todos de ver a cara dele outra vez por todo o lado nas ruas e nas televisões faz morrer um pouco da nossa esperança para o ano de 2009.

- A Nomeação de Carlos Queiroz Como Seleccionador Nacional de Futebol

Um mau líder toma 99 más decisões e 1 boa decisão por acaso. Depois de 5 anos espectaculares com Scolari em que a selecção nacional alcançou os melhores resultados desde 1966 e os portugueses revitalizaram e reacenderam a sua paixão pelo futebol e a selecção, Gilberto Madaíl e Federação tomaram mais uma das 99 más decisões e contrataram Carlos Queiroz. Havia muita gente que gostava de Carlos Queiroz: afinal de contas, ele foi o treinador da famosa “geração de ouro” de sub-21’s. Essas pessoas provavelmente esqueceram-se que Carlos Queiroz foi treinador adjunto de outra pessoa nos últimos 2 ou 3 anos, que ele NUNCA ganhou um único campeonato como treinador de equipa sénior, que era dos maiores críticos ao trabalho de Scolari, que foi despedido pela federação de África do Sul, pela federação dos Emirados Árabes Unidos, pela federação de Portugal (esta é a segunda vez que tem o cargo).

Até agora, só ganhámos às selecções de Malta e das Ilhas Feróes, perdemos jogos importantes para o apuramento para o mundial (corremos risco de nem nos apurarmos depois de ficarmos em 4º com Scolari)… E fomos humilhados fora com o Brasil por 6 golos (a ultima vez que sofremos uma derrota tão pesada foi há muitos anos atrás). Este ano a selecção nacional voltou à triste miséria que era antes e a única coisa que mudou foi o treinador.

Which Will.

Criticando Públicos

Tendo assistido a diversos concertos em Inglaterra durante 2 anos, e depois de regressar de um festival na Suécia, ocorreu-me fazer uma reflexão sobre a atitude das pessoas perante música ao vivo nos diferentes países. Costuma dizer-se que as pessoas no Norte da Europa são geralmente mais frias e menos expressivas do que no Sul e que isso reflecte-se em ambientes de concertos. Costuma, também, dizer-se que o público português “ou ama ou odeia”. Será mesmo assim?

Antes de mais, o que é que leva as pessoas destes países a vir a concertos? Em Londres, há genuinamente uma cultura de “sair à noite para ir ver música ao vivo”. Mais, o conceito de banda de covers é geralmente circunscrito a eventos como casamentos, festas de aniversários e coisas do género. Esta ideia é uma coisa que se tem cimentado desde os anos 60 e a chamada “british invasion” de música pop/rock. Tradicionalmente, sai-se à noite relativamente cedo para pubs, que podem ir desde pubs chic com decoração elaborada e vinhos franceses até buracos pegajosos à pinha com miudos malcheirosos descalços e cerveja morna. Cerca de metade de todos os pubs na capital inglesa possuem uma sala à parte cuja entrada é cobrada, onde se pode assistir a música ao vivo. Tendo em conta que estamos a falar de imensos pubs, este tipo de prática só existe porque há mesmo um substancial número de pessoas que estão dispostas a pagar dinheiro para ver música ao vivo, mesmo sabendo que vão ver bandas sem contrato, sem notoriedade cuja música provavelmente nem conhecem muito bem. Ou seja, as pessoas têm mesmo um desejo de ver música ao vivo num sentido de a descobrirem.

Como é que isso se reflecte na atitude do do público durante o espectáculo? Bom, se imaginarmos uma sala pequena onde as pessoas pagaram para entrar e provavelmente muitas delas estão entre o “ligeiramente tocadas” até ao “a uma uva de um coma alcóolico”, muitas reacções são compreensíveis. Para já, há uma grande proximidade entre o artista e o público, quer pelo espaço em si, quer pelo carácter aberto e frugal do espectáculo. O facto de haver muito álcool à mistura (na mais fina tradição britânica) também serve para desinibir muita gente para mostrar o que pensa mesmo da música e da banda. Não é difícil uma pessoa sujeitar-se a ser enxovalhada, a este nível.

Tendo em conta que apenas fui a um festival na Suécia, as minhas conclusões sobre os públicos escandinavos valem pelo que valem. Mas notei uma similaridade muito importante com o público inglês: muita gente foi assistir a concertos de bandas semi-obscuras apenas e só por recomendação de outros. E não se trata de aparecer em concursos de bandas de amigos em juntas de freguesia com entrada livre, estamos a falar de ficar em filas de 100 metros à porta de sítios que cobram bem mais do que 5 euricos à entrada.

Em termos de “personalidade da plateia”, os suecos são muito mais expectantes do que quer os ingleses ou os portugueses. No geral, tentam apreciar a música e o espectáculo sem incomodar o vizinho do lado, especialmente quando a música não é bem banda sonora de mosh – e especialmente quando estão em missão de descobrir música nova. Não se coibem de andar aos saltos e moshar se a música assim o requer, mas não são abertamente interventivos ao ponto de espontaneamente interagir com os artistas como os portugueses ou os ingleses.

Então e os portugueses? Não é novidade para ninguém que cá não existe a tradição britânica de voluntariamente querer sair regularmente para ouvir bandas de originais anónimas. Um conhecido costuma dizer que “quem só vê os jogos do Benfica não gosta de futebol – gosta apenas do Benfica”. Será que isto quer dizer que os portugueses não gostam mesmo de música mas sim apenas das suas bandas preferidas e estabelecidas?

Historicamente, Portugal tem uma tradição muito reduzida (praticamente insignificante) de bandas e música pop/rock. Não somos como os ingleses que tiveram The Beatles e The Rolling Stones, ou como os suecos que tiveram Abba. O que explica que não sejamos um país de onde se espera grandes novidades ou revoluções musicais. E o público português é o primeiro a não esperar grandes coisas dos seus artistas compatriotas. Conta-se pelos dedos de uma mão os sítios em Lisboa onde as bandas de originais podem regularmente tocar ao vivo, sem ser a uma segunda-feira à noite, para 6 ou 7 conhecidos da banda. A tradição lisboeta de espectáculo ao vivo sempre foi a cena do fado, que agora está praticamente reduzida a turistas e um punhado de aficionados, prática pouco transmitida aos públicos jovens.

Não sendo Portugal uma paragem importante das digressões dos grandes artistas anglo-saxónicos, a maioria dos portugueses raramente vai a concertos, quer devido a qualidade quer devido a quantidade. Tendo também em conta que os preços de bilhetes se tornaram algo proibitivos para muitos, os portugueses perderam muito o hábito de ver música ao vivo em comparação com outros países ocidentais. Isso revela-se um bocado em atitudes menos louváveis de alguns espectadores: no Optimus Alive, um autêntico batalhão de fãs de Rage Against The Machine alojou-se directamente em frente ao palco principal no príncipio do festival (RATM foi a última banda a tocar). Durante os concertos de 3 ou 4 bandas ficaram sentados ou deitados em grandes grupos directamente à frente do palco, impediram outros que queriam apreciar os espectáculos de perto e à vontade e nalguns casos insultaram os artistas – tudo porque só ali estavam para ouvir RATM, mais nada, queriam a todo o custo um lugar privilegiado e não lhes interessava minimamente a música que outros pudessem ter para oferecer.

Contudo, quando em número suficiente e convenientemente motivado, o público português é muito participativo. Em bastantes aspectos, comporta-se muito como uma assistência de um jogo de futebol: têm cânticos, cantam letras das músicas que querem ouvir entre as canções, muitas vezes fazem mais barulho do que os próprios artistas (que o diga outros que viram recentemente José González na Aula Magna). Isto reforça a ideia de que os portugueses não estão lá propriamente para ouvir música em si mas mais pela experiência de estar num ambiente de concerto. A sensação de que se fica é que os portugueses ou são conhecedores e assistem ao espectáculo de uma forma fria, desligada e “sou demasiado cool para andar aos saltos e cantar a letra”, ou não gostam mesmo de música em geral e estão a assistir a um concerto para ouvir o seu artista mais-que-tudo debitar aquelas canções predilectas num ambiente ao vivo, pelo mesmo motivo que alguém vai ver um Sporting – Benfica ao vivo em vez de o ver pela televisão em casa. Isto suporta a proliferação de bandas de covers neste país – muitos músicos portugueses dizem-me que se eu quero dar concertos e fazer algum dinheiro que seja com música neste país, tenho de tocar numa banda de covers. Ou seja, só se toca ao vivo regularmente se se estiver a tocar música que o público já conhece e gosta. As pessoas certamente argumentarão “mas porque é que hei-de ir ouvir música que não conheço?”; eu pergunto “mas porque hei-de ouvir música que já ouvi mil vezes em casa e na rádio?”.

Which Will.

Sete Álbuns Esquecidos de 2008

• Errors – It’s Not Something But It Is Like Whatever

Sendo protégés pessoais das lendas de post-rock Mogwai e fazendo parte das fileiras da sua própria editora, Rock Action, os Errors são mais uma agradável surpresa a aparecer na ‘cena’ musical de Glasgow. Tal como os Mogwai, a música dos Errors dá um papel central à proficiência dos instrumentais, mas ao contrário dos patrões, os Errors privilegiam música com tanto de tecnicamente admirável como dançável. Nesse aspecto, os Errors assumem-se mais como similares aos americanos Battles que propriamente à música escocesa, mas o resultado é igualmente espantoso.

Pontos Altos: Dance Music, Toes.

Myspace

• 2562 – Aerial

Sim, é verdade. O dubstep internacionalizou-se. O aparecimento de Aerial, o disco de estreia de Dave Huismans, belga sediado em Haia, mostra isso mesmo. A sua abordagem não será tão ornamentada como a de Burial por exemplo, mas apostará no hipnotismo minimalista de Echospace. Contudo, o que acaba por atrair em Aerial não é tanto a sua vertente dubstep, mas antes a forma como explora o seu minimalismo e os seus silêncios.

Pontos Altos: Moog Dub, Channel Two.

Myspace

• Have A Nice Life – Deathconsciousness

Provavelmente entre todos estes discos, o álbum de estreia dos Have A Nice Life, que se assumem como um cruzamento entre My Bloody Valentine, Joy Division e os doom drones dos Sunn O)), é o mais injustiçado de todos. “Our songs are too fucking brutal for myspace”, diz a banda no seu myspace, por isso não será lá que conseguirão grandes informações, mas eu até teria alguma confiança em dizer que Deathconsciousness, que assume o formato de duplo álbum, será o disco mais estruturado, construído, assustador e rockeiro que ouvirão todo o ano.

Pontos Altos: Bloodhail, Waiting for Black Metal Records to Come in the Mail.

Myspace

• Hilotrons – Happymatic

Já não se dá tanto valor a boa música pop hoje em dia. Nas listas de fim de ano, os álbuns de pop realmente bom e bem estruturado nunca merecem mais do que uma nota de rodapé. Happymatic é ao mesmo tempo um álbum assumidamente poppy e um que é facilmente do melhor que será lançado este ano. Por essa razão se torna ainda mais difícil de compreender a sua relativa obscuridade. Mas uma coisa é certa, uma banda que consegue compor músicas tão ridiculamente viciantes como Emergency Street ou Big Plans só merece exposição.

Pontos Altos: Emergency Street, Lovesuit.

Myspace

• Lucky Dragons – Dream Island Laughing Language

Com um total de 22 músicas, o novo disco dos Lucky Dragons, o alias do produtor e one-man-band Luke Fishbecks, não é um álbum no convencional significado da palavra, mas antes uma sinfonia de uma orquestra seriamente perturbada da cabeça. Mas Dream Island Laughing Language percebe e actua naquilo que os seus predecessores tinham falhado, e a sua grande vantagem acaba mesmo por ser a sua consistência.

Pontos Altos: Morning Ritual, Givers.

Myspace

• Pyramids – Pyramids

Os texanos Pyramids, aqui no seu homónimo disco de estreia, fazem música de outro mundo, ou como talvez prefeririam, música do ‘grande desconhecido’. A sua sonoridade é etérea, incrivelmente absorvente e muito difícil de categorizar, mas isso não seria propriamente o que esperaríamos ao olhar para a duração das faixas. Apesar de concisas (nunca chegando aos 4 minutos), não são músicas de qualquer maneira, pelo menos não parece ser essa a maneira como a banda se pretende expressar. As comparações com bandas como Fuck Buttons ou Panda Bear acabam por ser inevitáveis, mas redutoras.

Pontos Altos: Sleds, The Echo Of Something Lovely.

Myspace

• Vapnet – Döda Fallet

Os Vapnet são consideravelmente mais fáceis de categorizar, mas definitivamente não menos impressionantes. A cena sueca de indie pop doce e suave conheceu o seu líder com a crescente popularidade internacional de Jens Lekman, oriundo de Gotemburgo e escrevendo música sobre o bairro de Kortedala, mas definitivamente não se esgota com ele. Já tendo tocado com Lekman, os Vapnet têm um olho muito peculiar para as melodias, que já tinham mostrado nos seus dois álbuns anteriores, mas, agora com banda completa e com tempo de estúdio, Döda Fallet é o fantástico resultado do último dos Vapnet.

Pontos Altos: Plötsligt Händer Det Inte, Nyår.

Myspace

Harvest Breed.

Os 15 Melhores Álbuns de (Metade de) 2008

1. Portishead – Third
2. Fleet Foxes – Fleet Foxes
3. Lykke Li – Youth Novels
4. Deerhunter – Microcastle
5. No Age – Nouns
6. British Sea Power – Do You Like Rock Music?
7. Cut Copy – In Ghost Colours
8. Johnny Foreigner – Waited Up ‘Til It Was Light
9. The Notwist – The Devil, You + Me
10. Women – Women
11. School Of Language – Sea From Shore
12. Frightened Rabbit – The Midnight Organ Fight
13. The Dodos – Visiter
14. Flying Lotus – Los Angeles
15. Mystery Jets – 21

Menções honrosas para:

Foals – Antidotes, Beach House – Devotion, Born Ruffians – Red, Yellow & Blue, Quiet Village – Silent Movie, Sun Kil Moon – April, Youthmovies – Good Nature, Grouper – Dragging A Dead Deer Up A Hill, Kelley Polar – I Need You To Hold On While The Sky Is Falling, Vivian Girls – Vivian Girls, The Envy Corps – Dwell, Pete & The Pirates – Little Death, These New Puritans – Beat Pyramid, Pocahaunted – Island Diamonds, The Muslims – The Muslims.

Harvest Breed.